tag:blogger.com,1999:blog-91314653489436306922024-03-12T18:06:08.785-07:00Críticas/ContracríticasUnknownnoreply@blogger.comBlogger14125tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-85169362149023252202012-03-12T01:53:00.000-07:002012-03-12T01:54:04.949-07:00Ya llegan los personajes<a href="http://www.in-presentableblog.com/contenido/ya-llegan-los-personajes.html">http://www.in-presentableblog.com/contenido/ya-llegan-los-personajes.html</a><br /><br /><p> Escribo este texto sobre “Ya llegan los personajes” de Juan Domínguez, Rafael Lamata y Jaime Vallaure tras leer el artículo “El agujero de la risa” de Quim Pujol. A pesar de apreciar algunas ideas que se incluyen en él, creo que hubiera sido necesario ampliar ciertos aspectos.</p> <p> Por un lado, si bien las tesis de Bergson sobre lo mecánico ligado a la vida como motor de lo cómico resultan útiles para explicar muchos fenómenos, habría que puntualizar que –como en muchas otras áreas- la complejidad de lo cómico imposibilita cualquier generalización respecto a sus mecanismos. Y si es verdad que la risa se asemeja a veces a un agujero negro, también es cierto que otras veces su efecto difiere mucho de estos. Probablemente la risa y el humor sean un gran cajón de sastre donde se relacionan cosas que en realidad poco tienen que ver entre sí.</p> <p> A estos efectos serían necesarias ciertas puntualizaciones. Por ejemplo Plessner, que se cita en el texto anterior, diferencia la risa auténtica de la risa reactiva. La diferencia entre ambas estriba en que la risa reactiva no tiene una referencia externa como objeto (simplemente nos hacen cosquillas o nos suministran un gas hilarante). Mientras, en la risa “auténtica” hay una referencia externa que puede ser “no cómica” (quizás nos reímos de alivio, después de que el médico descarte un diagnóstico funesto; de nervios, etc.) o “cómica” (alguien tropieza con algo y nos parece gracioso), pero en ambos casos hay un motivo para reír y no una mera reacción fisiológica.</p> <p> Dentro del ámbito del humor probablemente sólo nos interese la “risa auténtica” de tipo cómico. Su dimensión como afecto nos parece también de vital importancia. Para establecer esta relevancia dentro del contexto de “Ya llegan los personajes” primero debemos hablar de la obra en sí.</p> <p> El escenario está cubierto con un linóleo blanco donde, al fondo, hay un montón de cojines rojos. Uno a uno, los tres intérpretes entran por el lateral izquierda ataviados con varias capas de ropa superpuestas, gorros, gafas de sol, pelucas… En definitiva, todos los elementos que se pueden usar para caracterizar a un personaje. Al principio parece como si no supiesen muy bien qué hacer en escena y posteriormente se desprenden poco a poco de las capas superiores hasta quedarse con un atuendo razonable. A primera vista se podría decir que pasan de “personaje” a “persona”, pero sin embargo la resonancia de la escena anterior hace que sus “personas” conserven algo de “personaje”. En efecto, en griego antiguo estos términos eran sinónimos y toda persona interpreta inevitablemente el papel de su propio personaje.</p> <p> En consonancia con esto, los intérpretes pasan a presentarse al público con sus nombre reales pero, después de cada presentación, los tres intérpretes corean al unísono y de forma prolongada el nombre del que se ha presentado. A fuerza de repetirlo, el nombre pierde su significado y se convierte en un mero sonido. De esta manera, se anula todo aquello que podría asociarse con sus nombres y los intérpretes se convierten en entidades neutras y sin identidad, meros “cuerpos”. Se produce ese distanciamiento que Quim Pujol asociaba tanto con lo escénico como con lo cómico (un “estar afuera”), y por otro lado este distanciamiento desdibuja la identidad y los límites entre los cuerpos. Como veremos más tarde, esto está estrechamente relacionado con los afectos.</p> <p> Pero ya que hablamos de límites los intérpretes transgreden también por primera vez la frontera entre público e intérpretes, ya que preguntan el nombre de algunos espectadores y pasan a corearlos al igual que han hecho con el suyo.</p> <p> Resulta difícil no relacionar este ejercicio con “La noche electoral” de Los Torreznos, donde Rafael Lamata y Jaime Vallaure repetían obsesivamente los nombres de políticos autoritarios en un ejercicio sobre “el nombre del poder y el poder de los nombres”.</p> <p> Las escenas que siguen constituyen un pequeño diccionario del humor. Mediante sus acciones los intérpretes transitan velozmente por los recursos del humor en múltiples variantes: desde el humor burdo al clown pasando por el slapstick, el nonsense, el esperpento o el humor negro. Curiosamente, como podrá atestiguar cualquier persona que haya leído un manual sobre el humor, el discurso sobre lo cómico resulta poco cómico. De esta manera, a pesar de algunos inevitables estallidos de risa esta primera parte de la obra conserva una relativa seriedad, aunque este contraste entre cómico y seriedad tiene a su vez algo de grotesco. Sin embargo, esta fracción de gravedad constituye una dimensión importante porque abre un espacio donde es posible el análisis.</p> <p> La última parte de la obra carece por completo de esta seriedad. Después de una reflexión que tiene como objeto lo cómico, éste inunda la escena. Los intérpretes se sumergen en un juego infantil extremadamente eficaz que hace que todo el mundo estalle de risa y donde el público tiene la opción de involucrarse si así le apetece. Aunque todos sabemos que la razón es una dimensión del cuerpo, el tipo de humor que se emplea no apela a la racionalidad (no se trata de lo cómico como juego intelectual) y por este motivo lo físico adquiere una total prominencia. Siguiendo la descripción de la risa de Norman Holland , el “fenómeno muscular se compone de contracciones espasmódicas de los pequeños y grandes músculos cigomáticos (faciales) y de bruscas distensiones del diafragma, acompañadas de contracciones de la laringe y la epiglotis.”</p> <p> Esta dimensión física de la risa es lo que permite relacionarla con el discurso sobre los afectos. Recordemos que Spinoza entiende el afecto como: “las afecciones del cuerpo, con las que se aumenta o disminuye, ayuda o estorba la potencia de actuar del mismo cuerpo y, al mismo tiempo, las ideas de estas afecciones”. Añadimos aquí una breve síntesis de Brian Massumi que ayuda también a diferenciar el afecto de la emoción: “Cuando afectas algo, al mismo tiempo te estás abriendo y puedes ser afectado a la vez de una forma ligeramente diferente al estado del momento anterior. Has llevado a cabo una transición, por pequeña que sea. Has traspasado un umbral. El afecto es el cruce del umbral, visto desde el punto de vista de la capacidad. Resulta crucial recordar que Spinoza usa esto para hablar del cuerpo (…) Debido a que está ligado a los movimientos del cuerpo no se puede reducir a una emoción”.</p> <p> Si recordamos que el afecto es la transición entre dos estados determinados que transforma la capacidad de acción, podemos llegar a la simplificación explícita en el pasaje de Spinoza: un afecto “aumenta o disminuye” la potencia de actuar del mismo cuerpo. ¿De qué dependerá que un afecto aumente o disminuya la potencia de acción? Como resume Deleuze: “Spinoza asignará dos polos, alegría-tristeza, que serán para él las pasiones fundamentales, y la tristeza será toda pasión, sea cual sea, que conlleve una disminución de mi potencia de acción, y la alegría será toda pasión que conlleve un aumento de mi potencia de acción”.</p> <p> Si bien “Ya llegan los personajes” se inscribe en el terreno de las pasiones alegres, en especial Juan Domínguez parece coincidir intuitivamente con este discurso por segunda vez consecutiva, lo cual denotaría una cierta ética personal. Al fin y al cabo, su anterior pieza “Blue” era una composición de afectos alegres (modificaciones del estado corporal que aumentan la potencia de actuar del cuerpo): el placer, la risa y la excitación sexual.</p> <p> En el encuentro tras la presentación de esta pieza en La Porta (Barcelona) Juan Domínguez explicó que durante el proceso de creación los participantes habían calibrado la posibilidad de emplear otros afectos como el llanto pero “habían desechado esta opción porque el llanto disminuía las posibilidades, mientras que la risa las multiplicaba”, lo cual pone en evidencia la sintonía con Spinoza.</p> <p> Antes he mencionado que el discurso sobre los afectos está ligado al cuestionamiento de la identidad que aparece al principio de “Ya llegan los personajes”. ¿En qué medida?</p> <p> Podemos concebir el ser humano como una unidad estanca y estable (de ahí la utilidad de un solo nombre para designarla) o bien como entidad inestable y dinámica que se ve constantemente afectada por aquello que la rodea a la vez que afecta con su presencia este entorno. Ser consciente de los afectos implica reconocer estos campos gravitatorios que emitimos y a los que estamos sometidos en un vaivén constante donde resulta imposible discernir donde empieza uno y donde continúa el otro.</p> <p> De hecho, en un texto que no está relacionado con “Blue” ni “Ya llegan los personajes” Juan Domínguez revela un imaginario similar mediante una ficción futurista:</p> <p> “<em>Nunca imaginé (…) que los cuerpos iban dispersarse y que los autores no iban a poder contar con ellos nunca más. Bastaron 50 años para que los cuerpos se transformaran en esta especia de célula flexible y llena de líquido que ahora mismo somos. Claro que la complejidad del líquido y la información que contiene no han cambiado tanto</em>”</p> <p> La imagen de esta “célula flexible y llena de líquido que ahora somos” –y que en el fondo no ha cambiado tanto respecto a lo que éramos- bien podría ilustrar esta comunidad de cuerpos donde los afectos transitan como corrientes por un líquido.</p> <p> El papel de la última parte de la obra resulta complejo. Por un lado, desde una perspectiva afectiva la risa aumenta la potencia de acción del cuerpo y los espectadores abandonan el teatro en efervescencia. Por otro lado, es cierto que la risa prolongada es una avalancha que lo invade todo y eclipsa parcialmente la primera parte de la obra. En ese sentido estaríamos algo de acuerdo con la descripción de la risa como agujero negro que lo absorbe todo. Sin embargo al mismo tiempo disentimos de esta imagen ya que su perspectiva parece demasiado Hobbesiana: no siempre nos reímos de algo o alguien con desdén o, como dice Quim Pujol, para “degradarlo simbólicamente”. Y especialmente, no es el caso del final de “Ya llegan los personajes”, donde el humor no podría ser más blanco. A veces “la risa surge simplemente de una conciencia soberana de libertad” (Jeanson).</p> <p> Curiosamente, quizás este sea el quid de la cuestión en relación con lo experimental. Lo experimental es aquello que se niega a someterse a ninguna regla preestablecida más allá de las que una propuesta particular considera necesarias. En este sentido, “Ya llegan los personajes” crea desacomplejadamente su propio universo. Por eso quizás la pieza trata con igual vehemencia sobre la autonomía que sobre el humor y la risa -esa conciencia soberana de libertad- la atraviesa de punta a punta, desde el principio hasta el final.</p>los torreznoshttp://www.blogger.com/profile/15938525286570849701noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-75887416381760398372012-03-12T01:52:00.001-07:002012-03-12T01:54:30.746-07:00Los chicazos de Jaime Conde -Salazar<a href="http://www.continuumlivearts.com/wp/?p=2191">http://www.continuumlivearts.com/wp/?p=2191</a><br /><br /><div class="span-15 colborder home"> <div class="post-2191 post type-post status-publish format-standard hentry category-ydespues tag-festival-in-presentable tag-hans-namuth tag-jaime-vallaure tag-jerome-bel tag-juan-dominguez tag-la-ribot tag-rafael-lamata"> <h2>Los chicazos</h2> <div id="attachment_2192" class="wp-caption alignnone" style="width: 623px"><a rel="attachment wp-att-2192" href="http://www.continuumlivearts.com/wp/?attachment_id=2192"><img class="size-full wp-image-2192" title="los personajes" src="http://www.continuumlivearts.com/wp/wp-content/uploads/2011/06/los-personajes.jpg" alt="" height="329" width="613" /></a><p class="wp-caption-text">Los Personajes, fotografía de Cuqui Jerez</p></div> <p><em>Ya llegan los personajes</em>, de Juan Domínguez, Rafael Lamata y Jaime Vallaure. Festival In-Presentable. La Casa Encendida. Madrid. 10 y 11 de junio.</p> <p><br />Una sala de teatro convencional. Gradas a un lado. Caja negra con suelo blanco al otro. Eso sí, luz uniforme que afecta por igual a los dos “bandos”. Al fondo de la escena una montaña de cojines rojos de Ikea, de los de a un euro. Entran los personajes: van cubiertos con mil capas de ropas, accesorios y pelucas variopintas.<span id="more-2191"></span> Casi ni se les ve la cara. Recuerdan a La Ribot antes de comenzar su streaptease <em>Socorro, Gloria!</em> (1993). Se van quitando todo lo que llevan puesto y lo colocan en fila en los lados de la escena. Entonces Juan Domínguez se coloca en el centro y declara “Soy Juan Domínguez”. Recuerda al comienzo de <a title="le dernier spectacle" href="http://www.catalogueraisonne-jeromebel.com/player.php?ep=4a" target="_blank"><em>The Last Performance</em> (1998) </a>de Jérôme Bel. Pero la cosa cambia y enseguida el espectáculo se aleja de la gravedad ontológica que, como sugirió André Lepecki (2006: 60), nos podría haber hecho pensar en el famoso dilema de Hamlet. Basta de citas y referencias. A pesar de la trascendencia de las palabras pronunciadas, la declaración no parece ser mucho más que la excusa para comenzar. A partir de ahí, la acción se desplegando poco a poco y sin interrupciones hasta el final. Lo que ellos hacen, da un poco igual: las acciones no son especialmente significativas o necesarias. Podrían ser otras y la cosa no cambiaría demasiado. Lo interesante es que la acción (así, en singular y casi en abstracto) se convierte en el vehículo a través del que se desata un proceso que arrebata por completo a los intérpretes y que hace aparecer en escena “algo” que, bien pensado, quizás sí que tenga que ver con la declaración de Bel (¡ay!). Pero antes de intentar contar qué es ese “algo”, intento explicar lo que hacen de forma más clara. ¿Han observado alguna vez a un grupo de niños de entre 4 y 8 años jugando libremente sin que ningún adulto interrumpa o controle su juego? Si están sanos y han tenido la suerte de que sus padres no les hayan enchufado a los putos babyeinsteins, a los putos bobesponjas o a las putas videoconsolas y el juego libre no ha sido algo extraño en sus vidas, esos niños, muy probablemente comenzarán a hacer cosas en grupo. Uno de ellos, quizás accidentalmente, empezará a hacer algo pequeño y aparentemente insignificante. Poco a poco, sin que esté muy claro por qué, los demás se irán uniendo a la acción y ésta se irá transformado, fragmentando, aumentando en intensidad, desmembrando, creciendo hasta el absurdo… hasta que la acción se convierta en una expresión gratuita y gloriosa de grupo que quizás desemboque, accidentalmente, en otra nueva pequeña acción a partir de la cual se volverá a repetir el proceso. Pues bien, esto es lo que hacen Juan Domínguez, Rafael Lamata y Jaime Vallaure en el espectáculo: la declaración grave del principio desata una serie continua e hilvanada de acciones a los que ellos se entregan sin reserva y casi sin límite. La verdad, da igual si esas acciones están definidas antes, si las han ensayado o no. Lo interesante es que ese “hacer”, ese jugar sin condicionantes externos, les pone en un estado de conciencia “suficientemente” alterado como para que ante nuestros ojos de espectadores aparezca ese “algo” que mencioné antes. Y aquí llega la parte delicada. Lo que en los niños es una maravilla y supone realmente un camino de conocimiento y conquista del entorno, en los adultos puede ser síntoma de una simpleza un poco inquietante. Ver a estos tres hombres pasándoselo como enanos, perdiendo por completo los papeles, dejándose ir por el simple gozo de dejarse ir en grupo, puede ser ciertamente muy divertido, pero el hecho no es tan inocente como lo es en los niños. No me refiero a nada raro, la performance es absolutamente cotidiana. Imaginen: un grupo de amigotes en el bar o en el sofá con las cervezas, viendo el fútbol. Eso. La escena es muy graciosa de ver, ellos se lo pasan en grande y se expresan sin límites. Pero sin duda, en esa performance hay mucho más que el simple y llano “dejarse llevar” entre amigos. Imaginen que además, ese desmadre (no voy ponerme psicoanalítico, pero no me digan que la palabra no invita a dejarse llevar por un bonito desvarío simbólico…) lo sacamos del entorno cotidiano-privado y lo metemos en un escenario. La cosa se complica, ¿verdad? Lo primero que se hace evidente es que estos chicos que exhiben su desparpajo, su poderío y su gracia en un contexto profundamente connotado como el teatro, no son los señores del bar de debajo de su casa: resulta que son lo que en las culturas burguesas, capitalistas, occidentales llamamos “artistas”. Es decir, forman parte de ese gran relato que llamamos Historia del Arte. Y da la casualidad de que, precisamente ese relato, se nutre de personajes dispuestos a hacer el papel de héroes, de hombretones que no tienen miedo a nada, independientes, visionarios, geniales, que disfrutan sin límite con sus amigotes, dispuestos a romper con lo que haya que romper, dispuestos a conquistar su propia subjetividad y a mostrarla al mundo en toda su verdad y crudeza… o, dicho de forma muy ordinaria, dispuestos a poner los cojones sobre la mesa. ¿Les suena, verdad?,… los chicos del Cedar’s bar neoyorkino, Pollock lanzando pintura como poseído en la peli de <a title="pollock namuth" href="http://www.youtube.com/watch?v=6cgBvpjwOGo" target="_blank">Hans Namuth (1951)</a>, los <em>coonskinners</em> imaginados por Harold Rosenberg… Inevitablemente, dentro del teatro, esa sesión de desparrame <em>testosterónico</em>, se convierte en una suerte de puesta en escena de la Historia del Arte más rancia y convencional. Los “Personajes” pasándoselo pipa en escena, no están haciendo otra cosa que encarnar esa figura heroica asignada tradicionalmente al “artista-hombre” o lo que Amelia Jones tan acertada e irónicamente llama <em>the “pollockian performative” </em>(1998: 53 y ss.). Así, sorprendentemente, lo que, a juzgar por lo que el contexto promete, podría haber sido una oportunidad de hacer preguntas incómodas, de cuestionar de forma crítica aquello que hacemos, acaba siendo una extraña reafirmación de los aspectos más rancios, modernos y obsoletos del teatro. Los Personajes no van más allá de la celebración simple de la posición privilegiada que les ha sido asignada por la cultura: hacen lo que hacen porque ellos pueden y se les permite. Y al final, nosotros, más espectadores que los espectadores del Teatro Hägen Dasz, acabamos ante una especie de divertidísimo espectáculo antropológico en el que podemos observar como tres ejemplares de la especie “hombre-pasando-por-su-<em>middle-age-crisis</em>” se expresan. Con distancia, resulta gracioso.</p> <p>Jaime Conde -Salazar</p> <p>REFERENCIAS</p> <p>-JONES, A., 1998, <em>Body Art. Performing the Subject</em>, University of Minnesota Press</p> <p>- LEPECKI, A., 2006, <em>Exhausting Dance</em>, Routledge</p> <p><br /></p></div></div>los torreznoshttp://www.blogger.com/profile/15938525286570849701noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-6404866263696213242012-03-12T01:49:00.001-07:002012-03-12T01:52:12.212-07:00El agujero de la risa - ¿Cuál es la relación entre lo escénico, el humor y lo contemporáneo? Una reflexión de Quim Pujol<style> <!-- /* Font Definitions */ @font-face {font-family:Cambria; panose-1:2 4 5 3 5 4 6 3 2 4; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:auto; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:3 0 0 0 1 0;} @font-face {font-family:"Helvetica Neue"; panose-1:2 0 5 3 0 0 0 2 0 4; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:auto; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:3 0 0 0 1 0;} /* Style Definitions */ p.MsoNormal, li.MsoNormal, div.MsoNormal {mso-style-parent:""; margin:0cm; margin-bottom:.0001pt; mso-pagination:widow-orphan; font-size:12.0pt; font-family:"Times New Roman"; mso-ascii-font-family:Cambria; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:Cambria; mso-fareast-theme-font:minor-latin; mso-hansi-font-family:Cambria; mso-hansi-theme-font:minor-latin; mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-bidi-theme-font:minor-bidi; mso-fareast-language:EN-US;} @page Section1 {size:595.0pt 842.0pt; margin:70.85pt 3.0cm 70.85pt 3.0cm; mso-header-margin:35.4pt; mso-footer-margin:35.4pt; mso-paper-source:0;} div.Section1 {page:Section1;} --></style><a href="http://www.in-presentableblog.com/contenido/el-agujero-de-la-risa.html"><span style="font-weight: bold;">http://www.in-presentableblog.com/contenido/el-agujero-de-la-risa.html</span></a><p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Lunes 13 de Junio</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Este año el festival In-presentable versa sobre el humor. Teniendo en cuenta que se trata de un festival de artes en vivo en el ámbito de la contemporaneidad, ¿cómo casar estos tres ejes: la escena, el humor y lo contemporáneo?</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Por un lado, basta recordar la importancia de la comedia entre los griegos para darnos cuenta de que el humor se halla ligado a los orígenes de la escena en nuestra cultura occidental. Aristóteles afirma que la palabra <i style="mso-bidi-font-style:normal">comedia </i>proviene de <i style="mso-bidi-font-style: normal">komodia</i>, el canto del <i style="mso-bidi-font-style:normal">komos</i>, que era la muchedumbre enardecida que participaba en los ritos dionisíacos. Pero más allá de esta relación histórica quizás hay algo más que vincula de forma íntima el humor a lo escénico. En relación con estos ritos dionisíacos Peter Berger menciona en “La risa redentora” que “la experiencia de lo cómico es extática, si no en el sentido arcaico de un trance arrebatado, sí bajo la forma más suave de un <i style="mso-bidi-font-style:normal">ek-stasis</i>, un “estar fuera” de los presupuestos y hábitos corrientes de la vida cotidiana”. De esta afirmación nos interesa en especial el “estar fuera” como esencia de lo cómico que determina a la vez su naturaleza escénica. Para que algo sea escénico –de ahí lo omnipresente y lo inasible de esta cualidad- basta que la conciencia se distancie un momento de la acción en la que está inmersa para observarla desde fuera y es este mismo mecanismo que se encuentra en la base de la experiencia cómica.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">En consonancia con esta afirmación, en “La risa y el llanto” Helmuth Plessner retoma la caracterización de lo humano de Max Scheler, según la cual lo que diferencia a un hombre de un animal es que el hombre, además de ser un cuerpo, <i style="mso-bidi-font-style:normal">tiene</i> un cuerpo. Mientras que el animal sólo puede ser, el hombre tiene un cuerpo en la medida en que puede distanciarse subjetivamente del mismo y utilizarlo conscientemente para diversos fines. En este sentido, la excentricidad del ser humano se convierte en la cualidad que le permite percibir lo cómico y a la vez ser objeto de lo cómico, ya que sólo el ser humano pertenece a diversos niveles del ser y esta experiencia múltiple de la realidad permite la percepción cómica (el “estar afuera” de Berger).</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Si bien se acepta comúnmente que lo cómico está presente en la vida diaria, debido al empeño de muchos de restringir lo escénico al ámbito del teatro no está de mal recordar que lo escénico tiene la misma importancia que lo cómico en nuestro día a día –ya que es el origen mismo de este fenómeno- y de hecho constituye una dimensión básica de la existencia humana ligada a esta multiplicidad de niveles de nuestra conciencia.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Una vez establecida esta íntima relación entre humor y escena, ¿qué vínculo puede haber entre humor y contemporaneidad?</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">El mismo festival In-presentable nos brinda una pista con “Llámame mariachi” de María Ribot, la última obra que se presentó en la edición del 2010 y que hace de bisagra entre estos dos festivales. Pocos artistas contemporáneos han empleado el humor de forma tan concienzuda como María Ribot, cuyo trabajo implica también una reflexión sobre el mismo.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">En la segunda parte de “Llámame Mariachi” María Ribot se sentaba junto con Delphine Rosay y Marie-Caroline Hominal frente a una mesa repleta de libros que alzaban en el aire y de los que extraían citas. Uno de estos libros era “La idiotie” (<i style="mso-bidi-font-style:normal">La idiotez</i>) de Jean-Yves Jouannais, donde este autor afirma que “la modernidad coincidió con la invención de una risa, y ésta se impone todavía hoy como la forma más lograda de un arte gozoso y subversivo que combate las predicaciones morales de los conservativismos así como los dogmatismos de las vanguardias”. Jouannais hace un repaso histórico que recorre obras y declaraciones de Oscar Wilde, Marcel Duchamp, Hugo Ball, Martin Kippenberger, Pierrick Sorin, Stéphane Bérard, Salvador Dalí y muchos más para afirmar que</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">“<i style="mso-bidi-font-style:normal">el arte decisivo de este último siglo y la idiotez son una misma cosa, que “moderno” e “idiota” son sinónimos. Siguiendo un principio de equivalencia, el primer término recupera su inocencia cuando el segundo conquista un crédito insolente de gravedad y pasión. Hay que decidir que la idiotez no es una tribu, una sub-familia, el carácter señalatorio y caricaturesco de una disidencia, de una excentricidad, sino que se revela el nombre general y aglutinador de hechos realmente modernos (…). Hay que sostener que este punto de vista es el único posible, que la idiotez no es una entrada en materia que compartiría esta facultad de penetrar el tema –el arte- junto con otras infinitas dimensiones (el cuerpo, el lirismo, el color, el escándalo…) sino la materia en sí. (…) hay que creer realmente que el arte sólo accede a su edad moderna cuando la idiotez se convierte en su principio de generación</i>”.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Si bien el discurso de Jouannais vincula históricamente el arte moderno con lo burlesco y la capacidad de hacer el idiota –que se relacionan estrechamente con el humor y se revelan como una estrategia muy eficaz para atentar contra lo establecido- al igual que antes nos interesa no sólo un vínculo histórico sino la relación esencial entre humor y contemporaneidad.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Jouannais adelanta sin querer esta relación cuando establece que el objetivo de esta risa moderna son “las predicaciones morales de los conservativismos así como los dogmatismos de las vanguardias”. En efecto, los dogmatismos se dan en cualquier ámbito. Cualquier vanguardia que avanza huyendo de un cierto acartonamiento de la realidad corre el riesgo de cristalizar a su vez e instituir un nuevo dogmatismo que se repetirá mecánicamente –una vez ya desprovisto de todo sentido en relación con su contexto- hasta que una nueva vanguardia lo detecte y sea capaz de desplazarse hacia una posición de nuevo eficaz. La inercia desprovista de sentido, el comportamiento mecánico, he aquí lo que la contemporaneidad combate incansablemente para sumar a lo real todo lo virtual (en potencia) y lograr una complejidad que dé realmente cuenta de la intrincada experiencia humana.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Bergson demostró implacablemente en “La risa” que lo mecánico en todas sus formas es precisamente aquello que desencadena nuestra hilaridad. Ya sea en el cómico de situación (por ejemplo donde un personaje intenta forzar a otro a escucharle y este insiste mecánicamente en seguir hablando -Bergson proporciona innumerables ejemplos de las comedias clásicas francesas-), o bien en el cómico de lenguaje (donde la estructura del lenguaje se impone mecánicamente a aquello que se debería decir), o aún en el cómico de carácter (donde un cierta manera de reaccionar se repite mecánicamente sin tener en cuenta la realidad circundante –como en Don Quijote-), “es cómico todo conjunto de actos y acontecimientos que nos da, inseridas la una en el otra, la ilusión de la vida y la neta sensación de un agenciamiento mecánico”.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Naturalmente, en esta imbricación es el “agenciamiento mecánico” el que se lleva la peor parte y se ve violentado por nuestras carcajadas. De esta manera lo arrinconamos por un segundo y logramos la ficción fugaz de una vida plena exenta de inercias.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">La risa es un afecto corporal que transforma sobre nuestro físico, se contagia como una onda electromagnética a nuestro alrededor contaminando los cuerpos de los demás y, en tercer lugar, es también un signo que deberá ser interpretado por quien lo perciba.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">¿Qué ocurre después de la risa? ¿En qué posición queda ese “agenciamiento mecánico” ligado a la vida que nos ha hecho reír? Obviamente, una vez lo mecánico ha sido motivo de escarnio nos replanteamos –conscientemente o no- qué queda de él en nosotros y a nuestro alrededor. En cierta medida, la risa marca el tránsito de un elemento o una dinámica entre esferas distintas, y en este desplazamiento este elemento o dinámica se ve inevitablemente degradado a nivel simbólico. Tampoco resulta inusual que el objeto de la risa se vea abocado a la desaparición. Por eso la risa se asemeja también a un saco sin fondo o a un agujero negro, capaz de engullirlo todo. En vez de temer esta oscuridad magnética quizás debamos aprender a sacarle el máximo partido, escogiendo cuidadosamente aquello que queremos hacer desaparecer en su interior.</span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-top:.1pt;margin-right:0cm;margin-bottom:.1pt; margin-left:0cm;mso-para-margin-top:.01gd;mso-para-margin-right:0cm;mso-para-margin-bottom: .01gd;mso-para-margin-left:0cm"><span style="mso-bidi-font-size:10.0pt; font-family:"Helvetica Neue";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-fareast-language: ES-TRAD">Si la risa implica desplazamiento quizás de carcajada en carcajada logremos una perpetua movilidad que nos permita comportarnos como seres vivos y podamos huir del papel de, otra metáfora de Bergson, un títere con resorte encerrado en una caja condenado al mismo gesto una y otra vez.</span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-family:"Helvetica Neue""> </span></p>los torreznoshttp://www.blogger.com/profile/15938525286570849701noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-55946315019143197752010-05-31T02:20:00.000-07:002010-05-31T02:22:54.007-07:00"Los Torreznos" traen a El Cairo su provocación con el absurdo Click here to find out more!El Cairo, 8 may (EFE).- El grupo español "Los Torreznos", que admite que su arte es difícil de definir, ha presentado en Egipto dos espectáculos audaces y vanguardistas, que buscan provocar con el absurdo y que juegan con el humor, pero sin quererlo.<br />"No nos consideramos cómicos en absoluto. Lo utilizamos sólo como herramienta de comunicación, y pensamos que es una herramienta muy potente", sostiene Rafael Lamata, uno de los dos integrantes del grupo, creado en el año 2000.<br />"Los Torreznos", formado por Rafael Lamata y Jaime Vallaure, se definen como "una herramienta de comunicación sobre lo social, lo político y las costumbre más arraigadas", y se nutren de "temas que forman parte de la cotidianeidad más absoluta".<br />Cuando anoche presentaron en El Cairo un "performance" titulado "La Cultura", advirtieron DE que no eran actores, cantantes, bailarines ni humoristas, pero tampoco explicaron exactamente qué querían ser.<br />Han llegado a El Cairo para presentar "La Cultura", anoche, y "Desierto", esta noche, como parte del I Festival Literario del Mediterráneo, abierto el 5 de mayo y que se cerrará el próximo miércoles, y que en esta primera edición el humor es protagonista.<br />"La Cultura" es un planteamiento escénico que, mediante un juego con las palabras, busca ser una crítica costumbrista al esnobismo cultural, con palabras sueltas, repetidas en cadena hasta la saciedad, o con frases inconexas o sin sentido.<br />En "Desierto", en cambio, no hay palabras, sino gestos y movimientos y, al igual que en el anterior, se establecen dos monólogos paralelos frente al público, ya sea con palabras o con gestos, creando una estructura de provocación de lo absurdo.<br />Tanto en uno como en otro espectáculo, los dos integrantes del grupo aparecen en solitario, sobrios, de negro, con una mesa y dos sillas en "La Cultura" que tienen su propio papel, y con dos sillas y dos vasos de agua en "Desierto".<br />"Nos gusta trabajar con lo puesto", dice Jaime Vallaure a Efe.<br />Aunque surgieron como grupo al comienzo de esta década, "Los Torreznos" llevan trabajando en los escenarios desde los años noventa.<br />Han visitado tablas de Moscú, Glasgow, Helsinki, Bruselas, Elche y Valladolid, según recalcan en ese orden, y la semana que viene toca Madrid.<br />Reconocen que el trato que han recibido cambia de un lugar a otro. "En Helsinki el público es más frío y la reacción es diferente". recuerda Jaime.<br />El dúo, que ha hecho casi todas sus representaciones en solitario, no se complica a la hora de crear gracias a su sintonía. "Uno piensa, el otro apunta, es un trabajo que está totalmente implicado", afirma Rafael.<br />"Los Torreznos" dicen que no siguen un modelo definido, aunque su trabajo se asemeja al cabaré y el surrealismo y se nutre también de experiencias en el teatro de lo absurdo de los años sesenta y setenta.<br /><br /><br /><a href="http://www.eldiariomontanes.es/agencias/20100508/mas-actualidad/cultura/los-torreznos-traen-cairo-provocacion_201005082304.html"></a><br /><a href="http://www.laverdad.es/agencias/20100508/mas-actualidad/cultura/los-torreznos-traen-cairo-provocacion_201005082304.html">http://www.laverdad.es/agencias/20100508/mas-actualidad/cultura/los-torreznos-traen-cairo-provocacion_201005082304.html</a>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-62219744570936118002010-05-31T02:16:00.000-07:002010-05-31T02:20:00.193-07:00ABC.es : Los Torreznos @ Cairo Mediterranean Literary FestivalAREA: Arte, cultura y espectáculos<br /><br />08-05-2010 / 23:10 h<br /><br />(EGIPTO) CULTURA-ESPECTACULOS<br /><br />"Los Torreznos" traen a El Cairo su provocación con el absurdo<br /><br />El Cairo, 8 may (EFE).- El grupo español "Los Torreznos", que admite que su arte es difícil de definir, ha presentado en Egipto dos espectáculos audaces y vanguardistas, que buscan provocar con el absurdo y que juegan con el humor, pero sin quererlo.<br /><br />"No nos consideramos cómicos en absoluto. Lo utilizamos sólo como herramienta de comunicación, y pensamos que es una herramienta muy potente", sostiene Rafael Lamata, uno de los dos integrantes del grupo, creado en el año 2000.<br /><br />"Los Torreznos", formado por Rafael Lamata y Jaime Vallaure, se definen como "una herramienta de comunicación sobre lo social, lo político y las costumbre más arraigadas", y se nutren de "temas que forman parte de la cotidianeidad más absoluta".<br /><br />Cuando anoche presentaron en El Cairo un "performance" titulado "La Cultura", advirtieron DE que no eran actores, cantantes, bailarines ni humoristas, pero tampoco explicaron exactamente qué querían ser.<br /><br />Han llegado a El Cairo para presentar "La Cultura", anoche, y "Desierto", esta noche, como parte del I Festival Literario del Mediterráneo, abierto el 5 de mayo y que se cerrará el próximo miércoles, y que en esta primera edición el humor es protagonista.<br /><br />"La Cultura" es un planteamiento escénico que, mediante un juego con las palabras, busca ser una crítica costumbrista al esnobismo cultural, con palabras sueltas, repetidas en cadena hasta la saciedad, o con frases inconexas o sin sentido.<br /><br />En "Desierto", en cambio, no hay palabras, sino gestos y movimientos y, al igual que en el anterior, se establecen dos monólogos paralelos frente al público, ya sea con palabras o con gestos, creando una estructura de provocación de lo absurdo.<br /><br />Tanto en uno como en otro espectáculo, los dos integrantes del grupo aparecen en solitario, sobrios, de negro, con una mesa y dos sillas en "La Cultura" que tienen su propio papel, y con dos sillas y dos vasos de agua en "Desierto".<br /><br />"Nos gusta trabajar con lo puesto", dice Jaime Vallaure a Efe.<br /><br />Aunque surgieron como grupo al comienzo de esta década, "Los Torreznos" llevan trabajando en los escenarios desde los años noventa.<br /><br />Han visitado tablas de Moscú, Glasgow, Helsinki, Bruselas, Elche y Valladolid, según recalcan en ese orden, y la semana que viene toca Madrid.<br /><br />Reconocen que el trato que han recibido cambia de un lugar a otro. "En Helsinki el público es más frío y la reacción es diferente". recuerda Jaime.<br /><br />El dúo, que ha hecho casi todas sus representaciones en solitario, no se complica a la hora de crear gracias a su sintonía.<br /><br />"Uno piensa, el otro apunta, es un trabajo que está totalmente implicado", afirma Rafael.<br /><br />"Los Torreznos" dicen que no siguen un modelo definido, aunque su trabajo se asemeja al cabaré y el surrealismo y se nutre también de experiencias en el teatro de lo absurdo de los años sesenta y setenta.<br /><br />"A diferencia del trabajo de los años 60 y 70, que era mucho más secos, nosotros tomamos elementos de trabajos conceptuales que te permiten conectar mucho más con el público", sostiene Rafael Lamata.<br /><br />EFE<br /><br /><br /><a href="http://www.abc.es/agencias/noticia.asp?noticia=375727&titulo=%26quot%3BLos+Torreznos%26quot%3B+traen+a+El+Cairo+su+provocaci%F3n+con+el+absurdo">http://www.abc.es/agencias/noticia.asp?noticia=375727&titulo=%26quot%3BLos+Torreznos%26quot%3B+traen+a+El+Cairo+su+provocaci%F3n+con+el+absurdo</a>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-5141157537373615292010-05-31T02:14:00.000-07:002010-05-31T02:16:45.957-07:00<object width="400" height="225"><param name="allowfullscreen" value="true" /><param name="allowscriptaccess" value="always" /><param name="movie" value="http://vimeo.com/moogaloop.swf?clip_id=11885001&server=vimeo.com&show_title=1&show_byline=1&show_portrait=0&color=&fullscreen=1" /><embed src="http://vimeo.com/moogaloop.swf?clip_id=11885001&server=vimeo.com&show_title=1&show_byline=1&show_portrait=0&color=&fullscreen=1" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowscriptaccess="always" width="400" height="225"></embed></object><p><a href="http://vimeo.com/11885001">LOS TORREZNOS “Las Fronteras” (The Borders)</a> from <a href="http://vimeo.com/mataderomadrid">Matadero Madrid</a> on <a href="http://vimeo.com">Vimeo</a>.</p><w:displayhorizontaldrawinggridevery>0</w:DisplayHorizontalDrawingGridEvery> <w:displayverticaldrawinggridevery>0</w:DisplayVerticalDrawingGridEvery> <w:validateagainstschemas/> <w:saveifxmlinvalid>false</w:SaveIfXMLInvalid> <w:ignoremixedcontent>false</w:IgnoreMixedContent> <w:alwaysshowplaceholdertext>false</w:AlwaysShowPlaceholderText> <w:compatibility> <w:breakwrappedtables/> <w:dontgrowautofit/> <w:dontautofitconstrainedtables/> <w:dontvertalignintxbx/> </w:Compatibility> </w:WordDocument> </xml><![endif]--><!--[if gte mso 9]><xml> <w:latentstyles deflockedstate="false" latentstylecount="276"> </w:LatentStyles> </xml><![endif]--> <style> <!-- /* Font Definitions */ @font-face {font-family:Times; 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display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 277px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCrV9uNKD_K5ukpeyiOTmB1KbJCNQOC44-2vgq9hag8QsSWZFBCavwpbPuNQszc_aWktecOgqabf4BFCOWpfRc0xWGPCgkaYc8vtH4AC_pd4GOwOVZ2GwPvw0mTh6Xn4pfBfjduEsHAvNK/s400/Articuloquebeqdef.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5405083183378729778" border="0" /></a>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-1334541891215411362009-10-14T07:44:00.000-07:002009-10-14T07:45:50.079-07:00KIRKENES<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGFxUOelcA8rHOwtO4ED8yfEUYfl5I6YnxYLzUdrsqKGW3QKgAvTG03FbdkreHYkotVAGc0Y_Ozwi12bt7S2IDOWluGMdigsRZSn6Bl8MpnCeZJDDOQ-OtabIU-IqzmnQkIzyLHzDYD4j2/s1600-h/Barentz.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 258px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGFxUOelcA8rHOwtO4ED8yfEUYfl5I6YnxYLzUdrsqKGW3QKgAvTG03FbdkreHYkotVAGc0Y_Ozwi12bt7S2IDOWluGMdigsRZSn6Bl8MpnCeZJDDOQ-OtabIU-IqzmnQkIzyLHzDYD4j2/s400/Barentz.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5392466826989381714" border="0" /></a>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-49530588736323323882009-10-13T07:14:00.000-07:002009-10-13T07:24:20.534-07:00Arts PublicationsLos Torreznos: Circo Interior Bruto -Reviews: Madrid - Brief Article<br />ArtForum, April, 2002 by Pablo Llorca<br /><br /><br />Los Torreznos is a name sometimes used by a duo who have been working together,<br />though not exclusively so, for ten years--Jaime Vallaure and Rafael Lamata also work<br />individually. Despite their youth, both are veterans of performance and video, and they<br />have developed a very distinct collaborative personality based on a sense of the<br />spectacle--which is not to say frivolity but rather an awareness that theirs are works<br />developed over time--along with a desire to investigate or reflect on contemporary issues both social and artistic.<br />Such interests persisted in La noche electoral (Election night), 2001. The sober staging recalled a flamenco performance: two singers situated on a simple stage illuminated by a single bulb, ready to sing before the public. The work's structure as much as its general development was also very much related to music. Not only was sound important, but, though the work's semantic dimension was predominant, the structure seemed directly inspired by musical composition, most likely Minimalist (the artists admire composers like Terry Riley and Steve Reich). Both performers kept their eyes shut for the duration of the piece (about thirty minutes), and their bodies, hands, and voices had a palpable expressivity reminiscent of flamenco performances. Drawing on the idea that on election night commentators and representatives of the different parties interpret the results according to their own interests, Vallaure and Lamata twisted their language to put forth a critique of contemporary politicians' inclination to distor t reality, take advantage of ambiguity, and shy away from precise meanings. The copious repetition of names of politicians and issues related to politics suggested one possible reading, but these were not the only references, in this lucid and caustic work, to well-calculated and successful rhetorical effects. Throughout, words and phrases were reeled off according to a rhythmic progression that culminated in a powerful climax, in which both singers cited names of twentieth-century artists, classified according to negative and positive categories. This<br />well-aimed joke alluded to the unbearable tendency to qualify authors rather than works--a cliche, predominant in the art world, that emphasizes both the absurd necessity for creative formulas and the form of consumption of art itself. By including themselves, with great humor, among the positive names and vehemently insisting on highlighting their own artistic identity or "brand name," Los Torreznos, Vallaure and Lamata seemed to fulfill a statement delivered in the prelude to the work: that they themselves constitute a commercial formula. The result, however, is far more significant and contradictory:<br />They have created a work of power and clarity, not a formulaic pattern.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-74105906494335995832009-10-13T07:09:00.000-07:002009-10-13T07:12:29.098-07:00La muestra Contenedores 07 convierte a Sevilla en capital de la 'performance'El País<br />S. BELAUSTEGUIGOITIA -<br /><br />Sevilla - 21/02/2007<br /><br />La séptima muestra internacional de arte de acción Contenedores 07 comienza hoy en el Centro de las Artes de Sevilla (Torneo, 18). Contenedores 07, que concluirá el próximo sábado, es una buena ocasión para adentrarse en los terrenos de la performance. Rubén Barroso, responsable de este proyecto, comentó ayer que "la performance es el arte de la proximidad porque es el arte de la cotidianidad". Algunos de los grandes nombres del<br />arte de acción estarán en la capital, como el finlandés Roi Vaara, que, con Balloon Man, abrirá la muestra a las 21.00. Bartolomé Ferrando, otro de los artistas más destacados de esta modalidad, presentará Ventanas en esta misma sesión.<br />"La performance es para cualquiera porque está a medio camino entre el arte y la vida. El lenguaje de la performance es la poética de la cotidianidad.<br />Cualquier persona que se acerca al arte de acción ve que está hecho de retazos de vida y cotidianidad. Es un arte para todo el mundo y que puede hacer todo el mundo", añadió Barroso, que presentó Contenedores 07 junto al concejal de Cultura, Juan Carlos Marset.<br />Barroso evocó una cita de Vaara que resume, a su juicio, el espíritu del arte de acción: "En lugar de fabricar objetos artísticos, yo mismo soy un objeto artístico; en lugar de alimentar al mercado, animo a las personas a que se vean a sí mismas como una<br />obra de arte". Tras las palabras de Vaara, Barroso hizo hincapié en las dos secciones de Contenedores 07: las jornadas sobre el arte de acción organizadas con la Universidad de Sevilla y el programa de performances.<br />Junto a Vaara y Ferrando, el impulsor de la muestra recalcó la gran calidad artística del dúo LosTorreznos, que mostrará su performance La Cultura el próximo sabado. "Los Torreznos son la bomba. [Jaime Vallaure y Rafa Lamata] componen un gran dúo de agitación performática", dijo Barroso. "Tomar torreznos es en principio tarea agradable, pero después nunca se olvida. Se puede decir que ése es uno de los ejes de nuestra manera de trabajar: la paradoja irónica; lo sencillo acaba generando cierto malestar difícil de definir. Siempre hay una segunda lectura", sostiene el dúo Los<br />Torreznos.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-57175277187063273612009-10-13T06:45:00.000-07:002009-10-13T06:48:05.894-07:00Una lúcida y arriesgada propuesta conceptual aen la 52º edición de la Bienal de Venecia<div style="text-align: left;">Crítica<br /></div>Roxana Popelka<br /><br /><br />Para cualquier artista la posibilidad de estar seleccionado en la Bienal de Venecia, uno de los eventos artísticos internacionales más destacados, supone un prestigio profesional así como una plataforma de proyección internacional incuestionable. Dos de los artistas escogidos para esta ocasión por el comisario y crítico de arte Alberto Ruiz de Samaniego, encargado del pabellón español en esta 52º edición, merecen esta acertada elección con creces. Se trata de una apuesta valiente por el dúo performático Los Torreznos compuesto por Rafael Lamata (Valencia, 1959), y<br />Jaime Vallaure (Oviedo, 1965). Dos artistas con una dilatada e inusual trayectoria en nuestro país dentro del campo de la desconocida y olvidada performance.<br />El encuentro entre ambos, a principios de los años 90, en el emblemático taller de creación impartido por el artista Isidoro Valcárcel Medina en el Círculo de Bellas Artes de Madrid,<br />supuso el inicio de una fructífera colaboración por caminos poco transitados tanto de propuestas de creación experimental, como de investigación y gestión artística.<br />Será en el año 1998 cuando decidan crear La zona de acción temporal, un proyecto artístico concebido como espacio abierto a todas aquellas iniciativas artísticas experimentales.<br />Dos años más tarde con Circo Interior Bruto, propician una labor de creación colectiva basada en la presentación de diversas piezas escénicas. Con estas propuestas no sólo<br />pretendían abrir nuevas vías de investigación dentro del ámbito artístico, sino generar un núcleo de experimentación alejado de los circuitos estrictamente comerciales.<br />Paralelamente a estas actividades, Rafael Lamata y Jaime Vallaure venían realizando un trabajo conjunto, aunque será con motivo de una invitación a Canadá cuando estos artistas<br />madrileños se planteen volcar sus energías en torno a una labor de creación performática. Así nacen Los Torreznos, (nombre que toman del conocido aperitivo madrileño consistente en cortezas de cerdo fritas.)<br />La práctica de la performance como forma de expresión<br />artística,<br />se enmarca dentro de la corriente de movimientos corporales<br />contextualizados en los años sesenta que surgen con una<br />clara intención de ofrecer una alternativa a las tradicionales<br />formas de concebir el arte y la cultura. Uno de sus<br />fundamentos más relevantes es la eliminación de la obra de<br />arte como objeto y soporte, promoviendo así una participación<br />por parte del espectador. En este sentido, el trabajo de Los<br />Torreznos entronca con la concepción original de esta<br />disciplina ya que en sus, hasta ahora, once piezas<br />presentadas en distintos festivales y eventos artísticos, tratan<br />de ofrecer una experiencia que se haga extensiva al<br />espectador. Bajo la premisa de la síntesis buscan la<br />simplicidad utilizando los mínimos recursos escenográficos<br />posibles; una silla, una mesa, un pañuelo, etc. Es su<br />presencia la que se convierte en el elemento identificativo de<br />sus trabajos. Su intención no es otra que comunicar de forma<br />directa con el público- y lo consiguen-, para ello adoptan<br />como eje vertebrador el humor y la ironía, en ocasiones con<br />un tono no exento de crítica. En sus acciones abundan temas<br />universales como la cultura, el tiempo o las emociones.<br />Para este dúo artístico el campo de la performance es muy<br />amplio y actualmente se corre el riesgo de caer en un nivel<br />críptico difícilmente asimilable por el público. Lo importante,<br />opinan, es realizar un esfuerzo y clarificar el mensaje a través<br />de la intensidad que llega a proporcionar el trabajo en directo.<br />No les preocupa que sus acciones puedan ser calificadas<br />como teatrales, lo importante para Los Torreznos no es tanto<br />el territorio artístico en el que te muevas, sino que dejes de<br />explorar e investigar .<br />El proyecto que preparan para la Bienal de Venecia, que se<br />inaugurará el próximo 10 de junio, consiste en cinco acciones<br />presenciales y tres piezas de vídeo, así como una de audio.<br />Los dos artistas consideran que su trabajo ha sido<br />seleccionado porque encaja en la propuesta del comisario, a<br />saber, por un lado Alberto Ruiz de Samaniego parte de la idea<br />positiva de la hibridación de las prácticas artísticas<br />contemporáneas, y por otro, de un postulado nietzscheano<br />que viene a encarnar un cierto optimismo vital, en palabras<br />del comisario: “ante el desierto de lo real conviene responder,<br />nietzscheanamente, con la alegría del suceder, restaurar el<br />fulgor del vértigo, de lo inaudito”. Es en ese territorio donde<br />cobran significado las propuestas de Los Torreznos al saber<br />comunicar no sólo una profunda emoción, sino una<br />experiencia estética consiguiendo que su trabajo, realizado<br />desde el esfuerzo, se sitúe en una posición comprensiva, y<br />permitiendo que sus planteamientos conecten directamente<br />con el público. Una tarea nada desdeñable para los tiempos<br />artísticos que corren.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-55073245224436970082009-10-13T06:31:00.000-07:002009-10-13T06:45:14.963-07:00'Paradiso Spezzato', arte multidisciplinar con acento gallego en VeneciaUNA MUESTRA QUE AÚNA CINE, FOTO Y'PERFORMANCES' REPRESENTARÁ A ESPAÑA EN LA 52ª EDICIÓN DE LA BIENAL<br /><br />La imagen, fija y en movimiento, el sonido, la música y la voz exploran el concepto de paraíso en Paradiso Spezzato , muestra ideada por el crítico de arte coruñés Alberto Ruiz de Samaniego que, con marcado acento gallego, representará a España en la 52ª Bienal de Venecia.<br />Actitudes tan diferentes como la del cineasta Jose Luis Guerín, director de En Construcción, el dúo de performance <span style="font-weight:bold;">Los Torreznos</span> y los fotógrafos gallegos Manuel Vilariño y Rubén Ramos, se apropiarán del 10 de junio al 21 de noviembre del pabellón español de la Bienal "de un modo idiogramático", detalló ayer Ruiz de Samaniego. Paradiso Spezzato (Paraíso Fragmentado) reflexiona sobre el concepto de paraíso "en mitad de una existencia a menudo dañada, apocalíptica y degradada", indicó. Así, el mestizaje de las diferentes técnicas que se materializa en "el carácter multidisciplinar" de estos cinco artistas, y la "singularidad simbólica" de la ciudad de Venecia a través de la mirada de los escritores Proust, Nietzsche y Pound, conforman el espíritu de Paradiso Spezzato , según desgranó el coruñés.<br /><br />El dúo Los Torreznos , formado por Jaime Vallaure y Rafael Lamata, mostrará performances con un "instinto lúdico" y que "rayan el absurdo filosófico", como la obra Treinta y cinco minutos , una grabación en la que ambos numeran en voz alta cada segundo (2.100) de 35 minutos.<br />El cine irrumpirá de la mano de Jose Luis Guerín (En Construcción) , y cuya creación tiene una clara inspiración fílmica, según se podrá comprobar en la serie Las mujeres que no conocemos , una obra que remite a una<br />secuencia fílmica y que Ruiz Samaniego calificó como "imagen fija en movimiento". La representación española de la Bienal tendrá este año un marcado acento gallego gracias a la representación formada por el veterano Manuel Vilariño (poeta y fotógrafo) y Rubén Ramos (fotógrafo). Vilariño aporta, entre otras, la fotografía Paraíso<br />fragmentado , un mosaico de imágenes que muestran animales enterrados en arena de vistosos colores impregnada de una visión poética que simbolizan "la búsqueda de lugares intactos", dijo el autor. Sin llegar a los 30 años, el artista Rubén Ramos participa con varias instalaciones que combinan "la alta tecnología con el trabajo íntimo y manual". <br />NOTICIAS DE GIPUZCOA<br /><br />>EFEUnknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-43229611679281779432008-10-21T16:07:00.001-07:002008-10-21T16:09:16.844-07:00Alejandro Gándara<h1>Torreznos de primera</h1><div class="derecha"> <div class="columna"> <div class="foto" style="width: 300px;"><img src="http://estaticos01.cache.el-mundo.net/elmundo/imagenes/2007/11/21/1195641342_0.jpg" alt="'35 minutos en loop', obra de Los Torreznos." title="'35 minutos en loop', obra de Los Torreznos." border="0" height="267" width="300" /><p>'35 minutos en loop', obra de Los Torreznos.</p></div> </div> </div> <p><span class="fecha2">21 de noviembre.- </span>Dentro ya del contradiscurso en plan ridiculización de las formas de decir oficiales y convencionales, en la Biennale hubo <b>dos planteamientos maestros</b>: el de Los Torreznos y el de la polifacética Sophie Calle(Francia).</p> <p>Los Torreznos son, como no podía ser de otra manera, dos creadores españoles intérpretes a su vez de las puestas en escena que dan lugar a sus videos. <strong>Dos cómicos soberbios</strong> con una cabeza de artista de vanguardia, cosa rara, como extranjera. Vestidos de cantaores y sentados en sillas, sin más aparato, <strong>se dedican a revelar la idiotez de todo lo que tocan</strong>. En '35´ en loop' demuestran que la atención es una facultad que dura exactamente ese tiempo y que va por libre, es decir, <strong>a la atención le da igual a lo que atiende</strong>, ya puesta.</p> <p>En esa media hora larga, lo único que hacen Los Torreznos es echarse a contar números a partir del uno y a una velocidad endiablada, <strong>haciendo inflexiones de éxtasis</strong> cuando llegan a una cifra redonda. Ahora bien, de ahí ni te mueves. <strong>La gente se desternilla</strong>.</p> <p>En 'Noche electoral' se limitan a repetir lemas y consignas propias de campaña política, sustituyendo los nombres de partidos y de políticos por el de Los Torreznos. Devastador en su misma tontería. Otro montaje lo invierten en recitar sin descanso tópicos y frases hechas, del tipo <strong>"Y tú que miras"</strong>, "anda y déjame en paz". Y otro más consiste en pedir al público que les conceda su tiempo a cambio del cual ellos le darán el suyo: a partir de ese momento empiezan a dar la hora sin desmayo, arrancando de cero horas, minutos y segundos.</p> <p><strong>Todo lo contrario de humor costumbrista</strong>. Ayudados por subtítulos, los visitantes extranjeros se tronchaban de risa. En fin, <strong>un goce perverso de la chocarrería en la que nos movemos cada día</strong>. Y universal, según parece.</p> <p>Lo de Sophie Calle tampoco era manco. Alrededor de una carta que un amante escribe a una mujer para decirle que no pueden seguir viéndose (ya que habían acordado que cuando ella fuera la cuarta en la lista de preferidas, él debería confesarlo), la artista arma un pabellón entero con <strong>lecturas legales, semióticas, filosóficas y políticas del texto</strong>, acompañándolas de grabaciones con lecturas dramatizadas hechas por 30 conocidas actrices (una de ellas es Victoria Abril).</p> <p>Es todo más previsible que en el trabajo de Los Torreznos, pero el efecto, en lo humorístico y en lo crítico, no es menor.</p> <p>En conclusión, la batalla contra los discursos imperantes, de lo privado a lo público, recuerda un poco a la de los viejos tiempos de exaltación y revolución, con la diferencia de que aquí no quieren imponerse otros, al menos con palabras. Un fotógrafo estadounidense, del que he perdido las notas de referencia, exponía en el Arsenale medio centenar de imágenes de profesores insignes (Bourdieu, Bloom) y de alumnos asistiendo a sus clases. <strong>La tristeza, la abulia, la pompa académica, la solemnidad vacua, la grisura vital</strong> recorrían esas escenas como una enfermedad del alma.</p> <p>Total, que ya iba siendo hora de darle una alegría al cuerpo y de constatar que no estamos solos en la repugnancia de ciertas maneras del lenguaje. Porque de eso se trata: de desenmascarar la completa falta de vergüenza y de verdad a la que nos somete la comunicación oficial, de las aulas a la calle, pasando por la alcoba.</p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-9131465348943630692.post-39047485446800385712008-09-28T13:39:00.000-07:002008-09-28T14:09:30.080-07:00Arriesgada propuesta<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3_N2F6Np7fIWO1FT9AxHeQRgUFFi_52hH0js0OkgCNwZCZk337J7soAISZvJsTRSFdL5BT3BCxkxPCS5R6dlnG1iumHdYHu8_MUb9INVKy7JdOt4JQ7GcMeMceHUFijD5uTP-Fq2dHa54/s1600-h/cr%C3%ADtica+original+torreznos.jpg"></a>Roxana Popelka escribe un artículo en la Nueva España sobre nuestra participación en la Bienal de Venecia de 2007<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3_N2F6Np7fIWO1FT9AxHeQRgUFFi_52hH0js0OkgCNwZCZk337J7soAISZvJsTRSFdL5BT3BCxkxPCS5R6dlnG1iumHdYHu8_MUb9INVKy7JdOt4JQ7GcMeMceHUFijD5uTP-Fq2dHa54/s1600-h/cr%C3%ADtica+original+torreznos.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3_N2F6Np7fIWO1FT9AxHeQRgUFFi_52hH0js0OkgCNwZCZk337J7soAISZvJsTRSFdL5BT3BCxkxPCS5R6dlnG1iumHdYHu8_MUb9INVKy7JdOt4JQ7GcMeMceHUFijD5uTP-Fq2dHa54/s320/cr%C3%ADtica+original+torreznos.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5251175916924686962" border="0" /></a>Poco hemos hablado públicamente de nuestra experiencia veneciana.<br />Poco a nada a trascendido.<br />Torrente de críticas, dardos, pedradas, y un sin fin de desaprobaciones por parte de todos los bandos ha sido la tónica dominante durante el pasado año.<br />Hubo excepciones.<br />El caso de Roxana fue y sigue siendo una de ellas.<br />Otras harán también aparición en este apartado apenas recién inaugurado<br /><br />Creo que ya va siendo hora de romper ese silencio, fruto de una mezcla de desilusión, hastío y falta de tiempo.<br /><br />Como entremés esta reseña valiente de Roxana plantea una claro resumen de nuestra trayectoria desde 1990, la cual sirve inicialmente para disipar aquellas voces críticas que basaban su ataque en la falta de trayectoria histórica. Trabajar en el ámbito artístico desde hace más de veinte años -ámbito no mencionado en el artículo, anterior a nuestras colaboraciones: Rafael Lamata dentro del Colectivo AUA CRAG y Jaime Vallaure como videocreador independiente- es la demostración palpable de una actividad constante y continuada en el tiempo que se extiende hasta el momento presente. Otra cosa es que nuestro trabajo sea conocido o que este sea merecedor de una bienal; obviamente esto siempre será discutible, pero entre otras cosas de esto trata esta sección.<br /><br />Sirva este artículo como síntesis de una trayectoria conjunta inaugurada en 1990 junto a nuestro querido Isidoro Valcárcel y que atravesando 18 años continúa en plena efervescencia cruzando caminos, canales y puertos.<br /><br />Sirva este arranque como punto y aparte de una actitud fundamentada en el silencio respetuoso como defensa.Unknownnoreply@blogger.com0